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Les différents types de l’Art de l’animation

Art de l'animation

Qu’est ce que l’Art de l’animation ?

L’animation (du latin animare, animare, pour insuffler de la vie) est l’art visuel de faire un film à partir d’une série de dessins fixes. Bien que l’animation du XXIe siècle soit dominée par la technologie du film et de la vidéo informatisés, les talents de dessinateur et de dessinateur des dessinateurs de bandes dessinées et des graphistes font toujours partie intégrante du processus. Parmi les animateurs célèbres du XXe siècle, on compte J. Stuart Blackton, George McManus, Max Fleischer, Walt Disney et l’équipe de DreamWorks Animation. Les dessins animés célèbres incluent Mickey Mouse, Bugs Bunny et Donald Duck, Jungle Book, The Simpsons, Shrek et Anime.

Les différents types de l’Art de l’animation

Il existe différents types d’animations : les longs métrages d’animation, comme Blanche-Neige et les sept nains, Fritz le chat et Shrek ; les films avec des personnages animés et humains, comme Roger Rabbit et Lord of the Rings ; les dessins animés ou séries télévisées plus courts, comme Tom et Jerry, et les Simpsons ; et les animations spécifiques pour la télévision et les spots vidéo. Le développement de l’animation, à la fois comme forme d’art et comme produit commercial, a conduit à son importance croissante en tant que sujet d’étude. L’animation est maintenant enseignée comme un cours d’art figuratif distinct dans un nombre croissant de collèges d’arts européens et américains. Pour les disciplines connexes, voir Photographie et aussi Art vidéo.

Le dessinateur animateur

Les animateurs complètent leurs dessins sur des feuilles d’acétate transparent. Si elles sont dessinées sur papier, elles sont ensuite transférées sur cels par xérographie. Les supports les plus courants pour dessiner l’histoire sont les encres et les peintures opaques, appliquées avec une variété de marqueurs spécialisés, de crayons et de crayons lithographiques. Le processus de base s’articule autour du  » storyboard  » – une série d’esquisses à un panneau. Des résumés des actions d’accompagnement et des dialogues sont rédigés sous chaque esquisse. Les caricatures sont particulièrement exigeantes en main-d’œuvre : une caricature courte moyenne nécessite de 40 à 50 000 cadres ou dessins distincts. Faire asseoir un personnage peut nécessiter 10 dessins ou plus pour représenter chaque mouvement individuel.

Animateur en chef

Pour assurer la continuité et l’uniformité des images, un ou plusieurs modèles sont réalisés pour chaque personnage. Ces modèles intègrent généralement des croquis des personnages dans diverses positions avec diverses expressions faciales et sont utilisés par l’animateur en chef pour esquisser la séquence d’action primaire. Par exemple, si le personnage est censé courir, l’animateur en chef dessinera le pied en quittant le sol, puis en l’air, et enfin en retournant au sol. Les artistes assistants complètent ensuite les détails.

Artistes de la mise en page et de l’arrière-plan

La scénographie est très importante. Ceci est géré par le maquettiste qui réalise une série de dessins linéaires qu’il utilise pour créer les arrière-plans. Ces derniers peuvent être des bâtiments, des intérieurs de pièces, des paysages, de la jungle, de la montagne ou des centres commerciaux. Toutes les couleurs sont généralement remplies par ordinateur.

Animation par ordinateur

Depuis 1990, l’animation créée par ordinateur à l’aide de logiciels graphiques sophistiqués est devenue de plus en plus dominante : c’est le cas de Toy Story de John Lassiter, le premier long métrage créé entièrement à partir d’animation par ordinateur. La question de savoir si l’animation traditionnelle peut survivre à cette évolution n’est pas claire, bien qu’à l’heure actuelle, il semble qu’il faille encore des compétences humaines pour créer l’imagerie ultra-réaliste que les consommateurs attendent maintenant. (Voir aussi : La photographie est-elle de l’art ?)